Picasso… genio del Siglo XX
año 1978
En España, la aprobación de la Constitución de 1978 marcó el inicio de la democracia moderna, lo que se reflejó en emisiones conmemorativas.
En este año ocurrieron eventos clave que influyeron en las emisiones de sellos: Organismos como la UNESCO promovieron sellos relacionados con el patrimonio cultural.
Tiraje: 10.000.000
3 p. Retrato de la Señora Canals- 5 p. Autorretrato – 8 p. Retrato de Jaime Sabartés – 10 p. El final del número – 12 p. Ciencia y caridad – 15 p. Las Meninas – 25 p. El pintor y la modelo.
Pablo Picasso dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo, después al surrealismo, a la abstracción…
Picasso y su obra
Pablo Ruiz Picasso (Nacido en Málaga, año 1881- Falleció en Mougins, Francia, año 1973) fue un pintor y escultor español, conocido como creador del cubismo junto con Georges Braque.
Sus trabajos están presentes en museos y colecciones de todo el mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una breve obra literaria.
Infancia
Pablo empezó a pintar desde temprana edad; a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El picador amarillo (1889), primera pintura al óleo de la que siempre se negó a separarse… Curiosamente estaba pintada en la tapa de una caja de zapatos.
El óleo muestra a tres personajes situados tras la barrera. Dos figuras masculinas aparecen mirando hacia el tendido, mientras que una figura femenina aparece de perfil, mirando hacia la izquierda con el rostro maquillado de blanco, con una actitud aparentemente despreocupada por la acción.
En la obra se aprecia una acusada desproporción del volumen de los personajes, característica que Picasso jamás abandonaría en sus obras futuras.
En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que disfrutaba. José Ruiz Blasco (su padre), tras su cese como conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888, había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La Coruña,
Pablo, en La Coruña hizo su primera exposición con trece años y publicó caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano «La Coruña», «Azul y Blanco» y «Torre de Hércules».
Estudio académico
Un Picasso de 13 años deja A Coruña y se pone a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona (La Llotja).
Óleo (82 x61 cm) Museo Picasso, Barcelona
Evidentemente vemos aquí a un estudiante brillante y precoz que sorprendió a todo el mundo, sobre todo a su padre, que según la leyenda, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.
Toda su vida había realizado dibujos de pasmosa precisión académica, pero según el artista calvo, “… no era un genio todavía… Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad…”.
Primeras pinturas
En el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunión , en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París
Este sello emitido de la serie Pablo Picasso Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid. (Óleo sobre lienzo 197 x 249 cm)
En 1897 presentó la obra Ciencia y caridad es una de las pinturas más tempranas y académicas de Pablo Picasso, realizada cuando tenía apenas 15-16 años. Es clave para entender sus inicios antes de sus etapas más revolucionarias.
Nos hallamos ante una de las primeras obras de este gran genio… Cierto es que la consideración cromática que Picasso hizo al realizar esta obra es espléndida (e incluso puede llegar a contener relaciones con lo tonos terrosos y ocres que Van Gogh también empleó en una de sus primeras obras Los comedores de patatas.
La pintura muestra el interior de una habitación humilde donde:
- Una mujer enferma yace en la cama.
- Un médico (representando la ciencia) le toma el pulso con actitud profesional.
- Una monja (representando la caridad) sostiene a un niño y cuida de la enferma con ternura.
Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona donde comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona.
Entre Barcelona y París. El período azul (1901-1904)
Se conoce como período azul de Picasso al que discurre aproximadamente entre 1901 hasta 1904: y tiene su origen en el suicidio de su amigo Carlos Casagemas
Picasso, motivado y sensibilizado por la muerte de su amigo, pintó un cuadro que nombró El entierro de Casagemas, cuadro alegórico que empezaba a mostrar su paso al período azul. La división del espacio del cuadro en dos partes, tierra y cielo, cuerpo y espíritu, recuerda la del Entierro del Conde de Orgaz, del Greco.
Picasso mezcla elementos religiosos, eróticos y emocionales para expresar su dolor y culpa. La muerte de Casagemas se convierte en un tema espiritual: una especie de tránsito entre el mundo terrenal y el más allá.
- Parte inferior: el mundo terrenal, donde aparece el cuerpo del difunto, tratado con solemnidad.
- Parte superior: un plano celestial o imaginario, con figuras femeninas desnudas que parecen representar tentaciones, deseos o recuerdos.
Color: predominan tonos fríos (azules, verdes), característicos del Periodo Azul, que transmiten tristeza, melancolía y aislamiento.
Dos amigos artistas viajan a Paris a la Exposición Universal de 1900. A uno de ellos, llamado Pablo (20 años), van a exponerle un cuadro. El otro amigo, Carlos, se enamora perdidamente de una modelo llamada Germaine.
Ella le rechaza constantemente, pero él no deja de insistir. Pablo, se lo lleva a España por Navidad, pero Carlos no aguanta más y se vuelve a Paris.
Una noche, completamente trastornado, saca una pistola y dispara a Germaine para después pegarse un tiro en la cabeza. Ella sobrevive, él no. Pablo vuelve a Paris conmocionado por la muerte de su mejor amigo. Se instala en la misma casa donde Carlos vivía y comienza una relación sentimental con Germaine.
Así es como Pablo Picasso se transformará, al menos metafóricamente, en su amigo Carlos Casagemas.
En varios cuadros representó a su amigo muerto, pero es en La Vie donde mejor se ve (o, mejor dicho, se oculta) la compleja mentalidad del pintor malagueño.
El análisis que se realizaron al cuadro demostraron que, en un primer momento, el joven semidesnudo tenía los rasgos del propio Picasso, además de otros detalles ocultos que finalmente modificó.
El pintor se esconde detrás de su amigo, le sustituye junto a la amante compartida. Quizás una manera de plasmar en pintura lo que no pudo suceder en la realidad.
París. El período rosa
Desde que se instaló en Montmartre, la paleta y los temas de Picasso empezaron a cambiar; la pobreza y de los artistas de circo y saltimbanquis aportaron un nuevo cambio a sus cuadros en el paso de la época azul a la denominada época rosa.
En el año 1905 en la primavera pintó una de sus principales obras de ese año, La familia de saltimbanquis (1905), una clara evolución hacia la época rosa; un paisaje desnudo y desdibujado. (213 x 229 cm)
Pablo Picasso inaugura una más luminosa etapa rosa poblada de personajes del circo como estos saltimbanquis que vemos aquí.
Pero Picasso no representa un circo como lo hacían los impresionistas. Prefiere hacerlo tras las bambalinas, en el día a día de esta gente nómada, artistas como él, viviendo un poco al margen de la sociedad.
De hecho, muchos dicen que el arlequín que aparece a la izquierda es un autorretrato.
El malagueño seguía experimentando…, y vemos como trata de encontrar su propio camino jugando con las líneas, los volúmenes y las texturas, deformando un poco las perspectivas, distorsionando las dimensiones.
Ya se va apreciando el cubismo, que está a la vuelta de la esquina.
Las señoritas de Avignon» es en realidad una calle de Barcelona donde abundaban los burdeles. Picasso nos muestra en esta obra a cinco prostitutas barcelonesas y lo hace de un modo inédito hasta entonces: lo hace al estilo cubista.
Aunque en realidad este cuadro es más bien proto-cubista, ya que el movimiento no existía aún. De hecho el cubismo se inicia a causa del terremoto provocado por esta obra.
Tres influencias fueron fundamentales para el desarrollo de semejante anomalía artística: Cezánne (sobre Los grandes bañistas), El Greco (en concreto su obra Visión del Apocalipsis) y el arte primitivo expuesto en el Museo del Trocadero en París, (con sus Máscaras africanas).
No podemos hablar de un estilo concreto. Su libertad estilística hizo que pasara de un estilo a otro sin transición, Su genio fue el material principal de su arte: en apenas segundos podía hacer una obra maestra.
Representaba la rama del arte contemporáneo más física, la necesidad de pintar, de crear de forma material.
La frase «músicos con máscara» (Tres músicos) se refiere a esta obra maestra famosas de Pablo Picasso, pintada en 1921. Este cuadro es un ejemplo clave del cubismo sintético.
Picasso hace una composición, similar a un puzzle. Es decir, pinta con un estilo de cubismo sintético, como recortes de papel pegados para crear a estos extrañísimos y fascinantes personajes.
Muchos historiadores del arte sugieren que estos músicos son «retratos disfrazados» de Picasso y sus amigos poetas:
- Arlequín: Representa al propio Picasso. (Figura central)
- Pierrot: Representa a Guillaume Apollinaire (quien había muerto recientemente).
- El monje: Representa a Max Jacob (quien se había retirado a un monasterio poco antes).
Son tres músicos que bien podrían estar interpretando una canción no muy alejada de la de los Modern Lovers: algo futurista y rompedor, ridículo y a la vez solemne, incluso majestuoso… desde luego no apta para todos los oídos. El único fallo es que los Lovers eran cuatro…
Pero… ¡un momento! El cuarto personaje. Es el perro invisible… ¿Lo veis…? Buscad entre los varios marrones sutiles, y encontraréis al cuarto músico en forma de perro.
Jonathan Richman de los Modern Lovers compuso su «Pablo Picasso» . Al rededor del año 1972. Al más estilo Punk
Ver vídeo: Modern Lover – Pablo Picasso
Se calcula que Picasso fue autor de unas 13.500 pinturas y diseños, 100.000 impresiones o grabados, 34.000 ilustraciones para libros y 300 esculturas o cerámicas, además de tener el mayor número de museos con su nombre («Museos Picasso»).
Arlequín con espejo. 1923 (Óleo 100 x 80 cm) Museo Thyssen. Madrid
Picasso acababa de llegar de Italia y venía fascinado con los personajes de la Commedia dell’arte. Además, tras su estancia en el país se volvió mucho más clásico, todo lo contrario del experimentador radical que revolucionó el mundo del arte a principios de siglo.
De todas formas, esta vuelta a los planteamientos clásicos no apagó para nada la libertad de Picasso, atesorada en su anterior experiencia cubista.
El clasicismo del artista no es del todo sincero. Se inspira en la antigüedad, cierto, pero sigue violando leyes básicas de la perspectiva y mostrando una misma obra desde varios puntos de vista.
Tras la Primera Guerra Mundial, Picasso se aleja momentáneamente del cubismo radical y recupera formas más clásicas y reconocibles. En esta obra:
- La figura es más volumétrica y sólida
- Hay un retorno a la representación figurativa
- Dualidad (alegría/tristeza)
- El propio artista como actor
- Figura central: el arlequín ocupa casi todo el espacio
- Postura introspectiva: mira un espejo, creando una escena íntima
- Fondo neutro: elimina distracciones y centra la atención en la figura
- Colores: predominan tonos suaves, con contraste en el traje
Es una obra que habla menos de lo que vemos y más de cómo nos vemos a nosotros mismos.
Periodo surrealista
En marzo de 1932 culminó la serie de mujeres durmiendo con Joven delante del espejo (MoMA, Nueva York), donde se combinaban el contorneado negro y las formas orgánicas, en una de las imágenes de Marie-Thérèse más simbólicas y «multievocativas» creadas por Picasso.
Picasso pinta a su amante Marie Thérèse Walter mirándose en un espejo. La pintaría más de 80 veces, aún estando casado con Olga Koklova. Óleo 162,3 x 130,2 cm)
La modelo se refleja deformada y esto se llegó a interpretar de un millón de maneras: desde el clásico tema de la vanidad o de la Venus del espejo, hasta el reflejo de la muerte, pasando por la maternidad o la vejez reflejada en la juventud.
Sea como sea, Picasso mezcla colores y formas sin restricción alguna, siguiendo su instinto. Sin saber bien cómo, el artista confunde continuidad de planos, líneas y colores, creando un nuevo espacio. Y si nos ponemos metafísicos, casi llega a pintar también el tiempo.
Consigue crear un retrato de enorme belleza, virtuosismo, y sensualidad.
En definitiva, Pablo consigue lo imposible: que una mujer cubista sea bella.
La «Minotauromáquia»
En 1935 Picasso grabó sobre plancha de cobre esta “Minotauromáquia”, y tiene como protagonista al minotauro, figura mitológica mitad hombre, mitad animal. (tamaño 57 x 77 cm)
Picasso presenta una composición marcadamente simbólica y de difícil interpretación en la que combina ternura y violencia, lo que confiere a este grabado una gran poética visual y a la vez lo convierte en premonitorio de la Guerra Civil española.
Picasso construye una escena con alusiones a obras de los grandes maestros del arte occidental… Asimismo, en el centro de la composición, entre el minotauro ciego y la joven que sostiene una vela y un ramo de flores ―con los rasgos de su compañera sentimental, Marie-Thérèse Walter—, sitúa a una torera encinta a lomos de un caballo herido, en clara alusión también a Marie-Thérèse, por entonces embarazada de su hija Maya.
A la izquierda, un hombre que oculta su desnudez con un trapo sube horrorizado la escalera huyendo del monstruo, en referencia a la Crucifixión.
Y en la parte superior, dos muchachas contemplan la escena desde una ventana donde descansan unas palomas.
Guernica. La esencia misma del siglo XX y sus horrores
Picasso, en 1936 había aceptado la invitación del entonces presidente de la república Manuel Azaña de convertirse en director honorario del Museo del Prado en Madrid,
En enero de 1937 el arquitecto catalán Josep Lluís Sert le pidió a Picasso que colaborase con un gran mural para el pabellón de la Segunda República española de la Exposición Internacional de París.
Picasso documentó el hecho para las generaciones venideras y pintó la obra para el pabellón de la República Española de ese mismo año.
Cuando invadieron París, los nazis visitaban de vez en cuando el estudio de Picasso para ver si podía delatar a algún artista judío. Este sólo sonreía y les daba una postal con la reproducción de su Guernica. En una ocasión, un embajador nazi cogió la tarjeta y le preguntó con desprecio: ¿Ha hecho usted esto, Monsieur Picasso…?. No —respondió el pintor— lo han hecho ustedes…
El resultado fue un enorme lienzo de casi 4 metros de alto por más de 8 de ancho que es hoy la ilustración perfecta de los desastres de la guerra, tomando la herencia del arte-denuncia de Goya.
Soldados muertos, mujeres llorando (tres retratos de tres de sus amantes), caballos gritando, palomas heridas, toros, fuego, una bombilla iluminando la horrible escena… Un caos moderno para alertar a un mundo que estaba a punto de arder.
Ver vídeo: Guernica
En febrero de 1949 Louis Aragon acudió al estudio parisino de Picasso a seleccionar un dibujo para el cartel del Congreso Mundial de Partisanos por la Paz que había de celebrarse en París en abril del mismo año.
La colombe, un dibujo a lápiz azul sobre papel, fue el motivo escogido por Aragon, y la imagen fue conocida rápidamente como La paloma de la paz.
La Paloma de la Paz de Pablo Picasso es uno de los símbolos visuales más reconocibles y universales del antibelicismo y los derechos humanos
El contexto de posguerra: Tras la Segunda Guerra Mundial, el movimiento comunista internacional impulsó este congreso para defender el desarme. La imagen se convirtió de inmediato en un icono global.
Vínculo familiar: Ese mismo año nació la hija del pintor, a quien bautizó precisamente como Paloma Picasso.
Este sello emitido de la serie Pablo Picasso Las Meninas no se trata de una copia sino interpretación radical del cubismo. (Óleo sobre lienzo 194 x 260 cm)
En 1957, Pablo Picasso realizó una serie de 58 versiones inspiradas en Las Meninas (1656) de Diego Velázquez.
Picasso trabajó esta serie en Cannes, demostrando cómo un clásico puede ser desmontado y reconstruido desde otra mirada.
Velázquez construye un espacio profundo y realista; Picasso lo rompe:
- El espacio se vuelve plano y fragmentado
- Las perspectivas múltiples sustituyen al punto de vista único
- Las figuras parecen encajadas como piezas geométricas
Los personajes originales siguen presentes, pero transformados:
- La infanta Margarita → formas rígidas y angulosas
- Las meninas → simplificadas, casi caricaturescas
- Velázquez → reinterpretado como figura dominante y abstracta
Picasso no busca belleza clásica, sino expresión y estructura.
Ver vídeo: Las Meninas
Pablo Picasso tiene 83 años cuando realiza, en 1963, las tres pinturas de la serie El pintor y la modelo pertenecientes a las colecciones del Museo Reina Sofía.
En su larga trayectoria ha desplegado todos los recursos pictóricos, dando lugar, con sus sucesivos lenguajes, a momentos clave de la historia de la pintura.
En este último período Picasso retoma con fuerza…
El motivo del pintor y la modelo es recurrente en la historia del arte, pero en Picasso adquiere un tono casi autobiográfico:
- El pintor representa al propio Picasso: un creador envejecido, consciente del paso del tiempo.
- La modelo suele simbolizar la juventud, el deseo, la inspiración o incluso la pintura misma.
- La relación entre ambos sugiere tensión entre creación y deseo, poder y vulnerabilidad.
En 1963, esta temática se vuelve más introspectiva: no es solo una escena de taller, sino una reflexión sobre el rol del artista frente a su obra y su propia mortalidad.
El célebre pintor y escultor español Pablo Picasso falleció el 8 de abril de 1973 a los 91 años de edad en su casa de Mougins, Francia, a causa de un edema pulmonar provocado por una insuficiencia cardíaca.
Herencia multimillonaria: El artista murió sin dejar un testamento firmado. Su enorme patrimonio (estimado en cientos de millones de euros e integrado por unas 45.000 obras de arte, castillos y propiedades) tardó más de cuatro años en ser repartido entre sus herederos.
Tragedias familiares: La muerte del pintor sumió a su entorno en una profunda crisis. Su nieto Pablito falleció pocos días después tras ingerir lejía, y años más tarde, su viuda Jacqueline Roque y su antigua pareja Marie-Thérèse Walter se quitaron la vida.
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